jazz入门 通向音乐高手必经之路

原题:jazz入门

对一位认真求上进的爵士乐手来说,总会有太多的东西要学,或必须保持在一定的程度,常容易使人感到无所适从,诸如无止境的采谱、练习licks或patterns、学新曲子、音阶、理论、技巧练习等等,如果不知如何有效率地吸收这么多资讯,反而会变成一种负担。其实学习与演奏爵士有许多方法可以切入,但老手及老师们都一致认为:如何正确地学习曲子才是最重要的一环。

曾有人引述爵士钢琴大师Bill Evans的话,他认为如用一小时弹完六首曲子,倒不如花同样的时间专心在一首曲子上。在接下来的章节中,我谨列出一些条例或原则,希望能激励你养成正确的学习步骤。当然,这不是目前唯一的学习法,也并非万无一失,但堪称完整,而且每个步骤都是有意义的。然而如果你的程度已经比较进阶了,你可以自行添加或删减几个步骤,对初学者来说,这些原则将会对你很有帮助,不过遇有专有名词或概念不明了的,可以请求前辈或老师的协助。

首先,让我们选一首适切你程度的曲子吧!它可以是上课用的、老师要求的、乐团要练的,或甚至是你觉得有趣的standard也可。
学会「听」的方法
1. 学习曲式;买这首曲子的著名版本录音,愈多愈好-先学着凭耳朵记忆这首曲子,最少要听出句子、段落与格式,或者旋律的重点(译注:让人印象深刻的地方)。如果你已经有谱但还不熟悉分析的方法,我建议你暂时把它们搁在一边,先从「算小节数」开始,同时你也要注意唱片中的乐手在即兴时是否采取与主题一样的和弦,或撷取部份主题的旋律来即兴?接下来,你能否听出来这首曲子的主题好像被分成几个「段落」,而且大都4小节或8小节一段﹖我们可以称它们为「乐句」(Phrases)或「乐段」(Sections),通常在爵士曲目中,12小节(一般为Blues)、16及32小节的曲式是最普遍的。在12及16小节曲式上,乐手通常会在开头与结尾演奏两次的主题,整体上来说,即是在即兴的前后。而32小节曲式如AABA或ABAC等则可说是随处可见,主题则前后演奏一次。另外有些曲子则会包含不寻常的段落、间奏、结尾延长或不断出现的小乐句、节奏等等,也请试着将它们分辨出来。

2. 试着听唱片自己采谱-现在的乐手大多都拥有且依赖「Real Book」或「Fake Book」等这一类的曲集,但你可曾想过在那些老乐手或大师活跃的年代里,这些东西都还没发明呢!他们学习曲子的过程都是由长年累月的「聆听」、「参与」及「尝试错误」中走过来的。另外不得不提的是:首先除了部份曲集是「地下版」的以外(未取得原作者或版权所有者同意而贩售牟利),我们并发现在大部分广受欢迎的非法「Fake(Real) Books」中,包含了难以数计的错误,如果你不和原录音或原谱对照的话,这些错误将会不知不觉地被大家〝沿袭〞下去(译注:其实这些「地下采谱者」近年来也不断在修正,错误已逐渐减少中,只是仍是非法贩售的就是了)。尝试自己采谱,包括主题、和弦、曲式,甚至即兴乐段等,并将成果交给足可胜任的老师订正,或对照合法出版的原谱。从不断的订正中,你的耳朵便会更习惯爵士乐的声响,并在下一首采谱中更上一层楼。

3. 跟着唱片对照谱听-好吧!如果采谱对你现在的程度实在太难了,而你正好手边又有一些谱,那么你便应该花点时间找到某些同名的录音来对照着听。你能不能发现:不同的版本在处理旋律、和声、乐句或节奏上的手法皆有所不同呢?如果可能的话,把它们注明下来,然后比较出哪一个版本是最接近原曲或谱上所记载的,并保留其它特殊诠释,这将会对你帮助很大。(译注:两本最〝流行〞的非法「Real Books」在几乎每首曲子后面皆会附上他们所〝参考〞的版本,但有时是乱写的。Sher公司的三册合法「New Real Books」皆于书后之附录记载版本出处,方便你找唱片。但相对地来说,特定版本的采谱就不一定是爵士圈内约定俗成的标准,例如John Coltrane版本的「Body & Soul」(在第三册中)就已经彻底改头换面过了!所以,原作者的建议仍是非常好的)
接下来该做的事
1. 学会旋律;跟着唱片演奏或自己演奏-如果旋律实在太难了,你可以先放慢速度,甚至先不管拍子或一句一句练。试着模仿唱片中演奏的强弱、表情与乐句,能否适当地表达主题的旋律是一个乐手音乐成熟度的标竿之一。初学者或进阶的学生可以跟着唱片走,甚至于唱片中即兴开始时仍继续保持演奏主题旋律,如此也可以确认到底即兴时的曲式与和弦是否与主题所用的相同。不要忘了即使当你开始放手大胆地solo时,脑海里仍有旋律的架构浮现,才不容易迷失。

2. 分析旋律及和声相互间的关联-其实在许多经典爵士曲目的旋律中,已经暗示了和弦的走向及属性(作曲是齐头并进的!),很多年轻的乐手往往忽略了旋律,而硬生生地想套进他们所背的licks及书上所教的音阶,然而注意旋律与上头和弦的关系才是重点。举例来说,这样的情形发生于「Stella By Starlight」B段的开头两个小节《例一》,「Real Book 」中记载的和弦是G+7,造成很多新手便想也不想地就用了G全音音阶(Whole-tone Scale),但是如果仔细一点看,这段的旋律音有D(起头音)、降E及D,已暗示了G7b13和弦的声音(你能分辨它们的不同吗?)。添加使用更多近似的音阶是许多成熟的乐手让听众耳朵一亮的〝手段〞,但是他们绝不会忽略了曲子中所应有的和声音响。
可以有更多的变化吗﹖
1.分析和声;辨明出是哪一种和弦进行-在爵士乐中,不同的人重配同一首曲子的和声(Reharmonizations)早已被发展成一种〝好习惯〞了,有经验的乐手不但熟悉原曲的和声,他们同时也对不同版本的和弦进行闻之甚详,甚至以「追求更多变化」来丰富自身的爵士乐知识。这不光是纸上谈兵而已,他们更可在与别人合作或听表演时,很快听出来所采用的版本。

试着辨明每个和弦的功能(Function),当然在此之前你得先知道基本的「调性和弦」(Diatonic Chords)原理。你可以先把明显的ii-V、ii-V-I、iii-VI-ii-V、I-VI等和声patterns找出来,虽然爵士和声道理上与传统的古典和声是相吻合的,但前者比后者则增添了更多的〝例外〞,譬如和弦就不一定一直停留在同一个调性中,在爵士乐里最普遍的非调性和弦便是「装饰属和弦」(Secondary-dominant Chords)的应用,特别是调性中ii级的V或V级的V。

2. 把任何不在调性和弦内的和弦圈出来-也许这些和弦是借用的和弦,或调性和弦的变化(如用蓝调色彩的IV7代替原来调性中的IVMaj7),如果还有和弦超出这些范围的,那就可能是「非调性的经过和弦」(Non-diatonic Passing Chords)或「添加色彩的和弦」(Color Chords)了。

3. 找出调性的中心并特别注明-这个步骤常可以帮助学生走出「调式」(Modes)的迷魂阵,让你可以清楚看见每一组和弦进行的调性中心。举例来说:在「All The Things You Are」的前16小节中《例二》,包含了16到19个和弦(看是哪一个版本),如用「哪一个和弦要用哪一个调式或音阶去套」的逻辑去想的话,那可真是自找麻烦,因为简单地来说:这16小节只包含了四个调性(解决的地方),而只要用这四个调(Ab、C、Eb、G)的大调音阶/一级调式分别于其上solo就行了。(译注:甚至更简单一些,后8小节其实完全是前8小节排列(Sequence)的转调而已。另外,先不要断章取义:每第五小节的Maj7和弦都是前面的IV级,但同时也是后面一个调的bII级,我们称之为转调枢轴和弦(Pivot Chord),这里应该用前面的大调音阶solo才对,段落要分清楚)

4. 练习每一首曲子「主要的」音阶声响-很多优秀的乐手其实一直不断地借着爵士的语言(licks或patterns)去追求和声上的变化,也都努力地从主题旋律中找到更多灵感,再加上耳朵的直觉,才能在演奏时作互动。然而,即使你曾在和声与音阶的关联上下了一点工夫,我仍希望你在添加新的音阶前,能先回归曲子本身,把原有该用的音阶练习好,正如我之前提到的「Stella By Starlight」例子一样。最少,当你试着演奏原调性音阶(如大调及其关系自然小调与和声小调音阶等)贯穿整段同调之处时,不会有〝怪怪〞的感觉,因为它们会暗示出旋律及和声的构成。

5. 练习用每个和弦的琶音(Arpeggios)来贯穿整首曲子-琶音的意思即是每个和弦的1-3-5-7音,你可以先很慢很慢地来,再照着节拍器练,或采取不同的节奏ideas。首先试着用八分音符走一个八度就回头,然后多加点音或变化某些音(不一定由根音开始),甚至超越一个八度《例三》。当然你也可以用三连音或十六分音符,这样很快就会跑到两、三个八度以上了。名吉他手Mike Stern亦建议你可以在一首曲子中,第一个和弦先爬上行的琶音,下一个和弦再下行,依此类推,再慢慢地加快速度《例四》。(译注:这是吉他手的标准练习法之一,然而别的乐器也绝对要会,因为它会帮助你认清什么是「最重要的音」,也就是和弦音,这样练绝对比抓个音阶从头干到尾有意义多了。译者的练习法如《例五》,也是吉他老师教的)

6. 学会在键盘乐器上弹奏曲子的和弦进行-作为一名爵士乐手(尤其是solo乐器),懂得基本的「和弦配置」(Voicings)是必须的,下点苦工学习在键盘乐器上弹奏整首曲子,即使很慢也没有关系,了解和弦的声响才有办法「选择」你要演奏的材料。我也强烈建议你:可利用延音踏板的功能,先撇开速度地弹每一个和弦,然后用你的乐器练习琶音、音阶,或是即兴等。

7. 自己作「卡拉OK带」,并于其上练习-你可以在钢琴或键盘上弹和弦,然后自己录下来用,或仅仅录下根音/贝斯的移动也可,正因为这样的伴奏不难,便会激励你在solo时去〝强调〞出每个和弦的属性。我建议你可以多录几个不同速度的版本,或不同调也好(向自己挑战一下),在录音的时候,最好连节拍器的声音都录进去,才不会丢拍(如是swing的曲子则需把响声设在第二及第四拍)。当然,我知道也许有些人已有「Band-In-A-Box」这个软体,或市面上所出版的「真人伴奏带」(Play-A-Long Recordings),用「Band-In-A-Box」的好处是你可以改变速度及调性,或输入不同版本的和弦进行,而用「真人伴奏带」则比较生动有趣,伴奏的乐手也会刻意强调某些节奏或特征音来〝导引〞你,但终究这些录音的范围会局限在一种速度或版本中,慢慢地就会感到无聊了。更进一步来看:跟「真人伴奏带」或「假人软体」练习过多反而会害了你,让你以为自己的solo都没问题,但除了音的选择之外,诸如空间的运用(句子与句子间的距离)、节奏的参与、竞奏或呼应等建立一个好solo的方式,都是必须靠表演时与其它「活跳跳」的乐手间的互动所得来的。(译注:要进步的方法永远只有两种:参加Jam Session或与朋友一起练习)
从更多不同的角度切入
1. 用更多的方法练习即兴;试着分段练习-以上所有的方法都可以以弹性速度或各种速度练习,而且必须在有无伴奏的情况下都必须认真执行。你可以由最简单的乐段开始,直到你觉得自在为止,才来〝对付〞那些令你感到棘手的地方,不要太贪心,一次练一段就够了,练好再说。另外有些很好的方式如一段主题、一段旋律,或与同伴作4小节或8小节一轮的竞奏(Trading 4’s or 8’s)都会很有帮助。

2. 试着用弹性速度(Rubato)演奏整首曲子-弹性速度的意思不是不算拍子,而是在演奏时用较「放松」的感觉去对应节奏与和弦,但仍然保持着速度。最重要的是:你心里面要算小节数及拍子,但演奏出来时要有一点「延迟」的感觉,才不会硬梆梆的。当然这并非一蹴可几,先花多一点时间在困难的乐段,简单的段落不要反而变快。你也可以尝试在曲子一开头慵懒一点演奏,然后逐渐加快〝进入〞原来的速度,但仍然不要过度有张力。(译注︰这种「有点慢出来」的感觉正是爵士乐最最重要的元素之一,记谱法永远无法载明,全靠多年的揣摩与体验才能得到,原作者的意思只是先希望你不要因句子难就紧张而丢拍罢了!

3. 试着花长时间练习同一首曲子-从慢速度开始,直到你习惯这首曲子而且感到放松为止,下一次再开始时可再增快一点速度,但是不要一下子跳太多到你无法控制的地步。最后则看看你是否能用15分钟专心同一首曲子,然后20分、30分…然后1小时(就像前面Bill Evans所说的一样),这种练习有点像「打坐」,可以帮助你极度专心,而不会天马行空、胡思乱想。此外它还可以帮助你心平气和地对待一首曲子,不会因跑错音或做错事而烦躁(这是人类的天性),让音乐一直进行,并有一种「控制」的感觉,直到你累了为止。

4. 试着在心里演奏音乐-当你完成了许多以上的步骤及原则后,要自问是否已能在心里〝听〞见所有的东西-旋律、和弦、贝斯音的移动,以及即兴-即使你的乐器不在手上,你仍能「想象」你在演奏才对。这种方法应能够在任何时间地点自由地运用,而且对任何风格的音乐都是相同的概念,在音乐史上早就流传了各种乐手的轶闻,说他们在巡回旅行途中常必须以极短的时间准备上台去演奏困难的曲子,那么他们该怎么「练习」呢?便是用以上的方法。虽然我个人并不相信,也无法担保所谓的「创造性想象」(Creative Visualization)宣称你可以用你的想象力改变事实,但我绝对相信「手脑合一」的重要性。再广阔一点来看,肢体动作的某部份障碍(演奏技巧上)产生,通常是依心智上清楚透彻与否的多寡而定,脑子更清楚,演奏出来的音乐也会更有自信,试着让你的思考与演奏同步,并充分表达吧!
坐而言不如起而行
也许当你看到这里时,搞不好会抱怨:「我哪有时间一次做那么多?」但事实是:如果你不下定决心开始做一些的话,你永远也不会开始,也就永远停在原地,学不到东西了!话说回来,不学比学习所浪费的光阴,肯定是更多的,长期下来,反倒是不断的损失了。(译注:「知识必靠累积而获得」,学任何一项艺术都是需要下长期的苦工的,而一旦荒废了技艺,要再补救可就很难了,所以,加油吧!也希望你练习一段时间后,再回来反刍一下本文,也许又将带给你另一种视界的启发也说不定呢!祝你顺利!)

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